Showing posts with label Movie. Show all posts
Showing posts with label Movie. Show all posts

Sunday, February 17, 2013

Cha Cha for Twins


Image source: http://chachafortwins.pixnet.net/blog

如果有人可以和自己擁有一樣的角度看世界,行為總是合拍,這是一件使人愉悅的事情嗎?也或者,默契與歸屬只是一種心情上的需要,每個人內心其實也都渴望著獨特。表面上這是一個雙胞胎與青春錯愛的故事,但這其實是一個少女自我挖掘與破繭的過程。姊妹的存在,是具象化的另一個自己,可以面對與比較,找尋自己的不一樣與獨立。於是,刻畫與喚醒每一次悸動,跨越青春。

詮釋青春的愛情,很喜歡楊貽茜導演的筆觸。即便擁有辯才無礙的才華,在與女孩相處的時候,也會喪失言語的能力。約會的尷尬,是一前一後的整天漫步。一切都是那麼遲疑、單純、傻傻的,男孩女孩間的青澀,既熟悉而微妙。在螢幕上呼喊青春,除了男孩的汗水與衝動,我們需要更多女孩的柔軟與細膩。

一人飾演兩角,如果性格與外型有相當的差異,對演員來說,反而容易抓住反差的特質加以詮釋。但在一般家庭裡長大的雙胞胎姊妹,則必須掌握絕大相似裡的細微差異,才能產生說服力,而飾演女主角寶妮米妮的黃姵嘉在這一點表現極為優異。能讓觀眾一時迷惑,卻又能辨認兩者,是一種層次的趣味。其適切的螢幕魅力與親切感,相當有效地吸引觀眾的目光,希望她能有更多演出與展現的機會。

同樣的,如何善用運鏡與特效,變成為這部電影是否流暢的關鍵要素之一。老實說,我很驚喜這部電影在鏡頭上的挑戰。沒有盡量避免兩個角色互動的場景,反而因為劇情上姊妹兩個都是校隊隊員,而使得練習與比賽時,有更多互動的挑戰。即便在運動場外,也有很多次姊妹互動的場景:輪流在家裡面走動、一起刷牙吃飯、曬衣服,互相拋接的過程,都顯得很自然。我能想像,選擇運動員這樣的情節,可以很直接的表現出青春的活力;居家生活互動的描寫,可以讓觀眾更容易融入劇情與角色,不過對視覺效果的挑戰就會提高許多。製作團隊這樣直面挑戰的態度與螢幕上的效果恰以證明,在資源與製作受限的情況下,國片依然足以展現極優秀的技術實力。

這部電影的票房其實並不理想。即便我對這部電影有著獨自的喜愛,就算是在這個台灣電影復甦的時間點上映,其小品的特質、侷限的宣傳與話題性,都注定了口碑不錯,但卻無法賣座的結果。確實是可惜了。也因此,雖然這不是過去這一年最好的電影,不過,卻讓我有想要紀錄下這部電影的情緒。

是不是,青春便是找尋另一個自己,與之掙扎、認知、成長?然後,我們可以重新拾起專屬的微笑?

Tuesday, January 24, 2012

The Artist


Image source: http://weinsteinco.com/sites/the-artist/

時代,是更替疊代,也是懷念。有多久沒有完整的看一部默劇作品?

大蕭條是許多變化的開始,有聲電影便是在這個時候取代默劇的佔據了觀眾的目光。電影中的男主角便是一個默劇時代的巨星,因為時代而慢慢步下台階。窮盡心力、自編自導自演,甚至為了詮釋愛情,而讓自己的角色不再是打不倒的英雄,這樣的作品依然無法讓觀眾所接受。相較於女主角本來是個新人女伶,在男主角偶然的提點與時運之下,以愛情喜劇的螢幕形象,成為風靡影壇的萬人迷。幾次男女主角間的錯過與相逢,對比與訴說著人生起伏的變化。沒有刻意渲染男女主角間的情愫,反是不言自明的浪漫。戲劇人生在默片獨有的幽默下,也更加鮮活。而隨著導演的一句"cut"和周圍片場音效的響起,謝幕的時刻也隨之來臨。

也許,默劇電影的印象,主要都來自卓別林的作品。小時候,對於其劇中人物誇張的表演感到逗趣,等到年紀稍長才認識到埋藏在喜劇之下,包含了具有時代見解的嘲諷與表述。免去文字對白,角色們得以更為鮮明肢體動作展現情緒;少了色彩冷暖,構圖則要顯得精鍊直覺;缺乏音效輔助,運鏡便成為導演和觀眾間的主要橋樑。但也因如此,跨越語言藩籬,表象潛為隱喻,也成為一個故事的深度。

對於默劇,陳舊的靈魂,總有帶著特殊的好感。也就是這樣,即便不乏精彩緊湊或是感人肺腑的電影,尤其在這堪稱台灣華語作品復興的時刻,「大藝術家」"The Artist"仍是使我印象深刻、非常喜愛的電影。

Thursday, June 30, 2011

Solanin



ソラニン - 宮崎あおい

思い違いは空のかなた

誤解存在於天空的彼方
さよならだけの人生か
這個只有告別的人生呀 

ほんの少しの未来は見えたのに
好不容易稍微看得見未來 

さよならなんだ
卻又要再揮手告別

あの時こうしていれば
那一刻 如果這麼做的話 

あの日に戻れれば
那一天 如果回得去的話 

あの頃の僕にはもう戻れないよ
那時候的我 卻再也回不去了

昔住んでた小さな部屋は
以前住過的小房間 

今は他人が住んでんだ
現在已經住進了別人 

君に言われたひどい言葉も
妳曾對我說過那些殘酷的話也是 

無駄な気がした毎日も
渾渾噩噩過著的每一天也是

寒い冬の冷えた缶コーヒーと
寒冬裡冰冷的罐裝咖啡 

虹色の長いマフラーと
彩虹般七彩的長圍巾 

小走りで路地裏を抜けて
小跑步穿過小巷 

思い出してみる
我不禁回憶起

あの時こうしていれば
那一刻 如果這麼做的話 

あの日に戻れれば
那一天 如果回得去的話 

あの頃の僕にはもう戻れないよ
那時候的我 卻再也回不去了

たとえばゆるい幸せがだらっと続いたとする
如果就這麼毫無改變地過著懶散的幸福日子 

きっと悪い種が芽を出して
不好的種子一定會開始發芽 

もうさよならなんだ
所以只能就此告別了

あの時こうしていれば
那一刻 如果這麼做的話 

あの日に戻れれば
那一天 如果回得去的話 

あの頃の僕にはもう戻れないよ
那時候的我 卻再也回不去了

さよならさ それもいいさ
再見了 這樣也好 

どこかで元気でやれよ
妳要在某處 好好地過日子 

さよなら 僕もどうにかやるさ
再見了 我自己會想辦法的 

さよなら そうするよ
再見了 就這麼辦吧


======

這是一首描寫分手,卻不是分手的歌曲。

隨機播放的過程中,再次顯現了去年夏天在戲院裡的氣氛。嚴格來說,歌唱的技巧和編曲,相較於職業樂團Asian Kung-Fu Generation的原唱版本,在電影當中、由宮崎あおい詮釋的版本確實是較為遜色的。但是,應對起電影的情節和宮崎あおい的專注,情感卻是更加充沛與感動的。同樣的情形就像Paran Maum的"Linda, Linda",即使有些散亂,卻每次聽到就是熱血逼人啊!

Solanin,也就是龍葵鹼,是一種化學毒物,主要存在馬鈴薯和茄科植物裡。尤其是馬鈴薯發芽時,在芽點的位置會凝聚很大量的這種毒物。而歌詞中,真正的意思形容惰性產生的不愉快,在心裡發芽蔓延的感覺。之所以對這首歌有特別的共鳴,大概也是因為最近心中的雜亂與不耐,就這麼自以為是地包圍與滋長。

當結尾的高潮呀然而止,留白的部分卻是情緒高漲與消散的反差。就讓直率的呼喊把這些惱人的情緒轟走吧。

p.s. 歌曲、原著漫畫和電影的英文名稱都是寫成solanin,不過正確的拼寫似乎應該是solanine。

p.p.s. 2011/7/2
完整原曲的連結被YouTube停用是挺可以想像的,暫時就用電影擷取的版本代替吧...(中間多了一些對白,如果懂日文,或是看過電影知道內容的話,其實也是滿不錯的版本。)


Sunday, February 20, 2011

Our House Below



床下の我が家(Our House Below) - Cécile Corbel

Supper is done and night has come
晚餐好嘍,夜晚也降臨了
My father worked hard all day long
爸爸辛苦工作了一天
Let's have tea together near the fireplace
讓我們聚在火爐旁一起喝杯茶
And talk for hours
天南地北的聊聊天吧

My house, my home
我的家園與天地
Is so small, so pretty
小巧而精緻
My mom, my dad
與親愛的媽媽和爸爸一起
We are family
組成了我們這個家庭
Joy everywhere
充滿歡樂
Memories
美好的記憶
In the house I adore
都在這我最愛的屋子裡

Mama hangs a picture on the wall
媽媽把夜的畫掛上
It's time to sleep and daddy yawns
該是睡覺的時候嘍,爸爸都打起呵欠了呢
Let's have tea together near the fireplace
讓我們聚在火爐旁一起喝杯茶
And talk for hours
天南地北的聊聊天吧

My house, my home
我的家園與天地
Is so small, so pretty
小巧而精緻
My mom, my dad
與親愛的媽媽和爸爸一起
We are family
組成了我們這個家庭
Joy everywhere
充滿歡樂
Memories
美好的記憶
In the house I adore
都在這我最愛的屋子裡

My house, my home
我的家園與天地
Is so small, so pretty
小巧而精緻
My mom, my dad
與親愛的媽媽和爸爸一起
We are family
組成了我們這個家庭
Joy everywhere
充滿歡樂
Memories
美好的記憶
In the house I adore
都在這我最愛的屋子裡


======

很久沒有在電影院裡看Studio Ghibli的電影,"借りぐらしのアリエッティ"也重新給予了一些屬於這間動畫公司的體驗。這部工作室裡最年輕的導演米林宏昌的作品(宮崎駿導演是監製和編劇),相對於宮崎導演自己的作品來說,是一部比較小品性質的電影。雖然說,仍然有著宮崎導演一貫對自然的關懷之情,但卻也點到為止,並沒有刻意安排強烈深沈的文藝與寄託藏在表層之下。劇情和音樂都是很流暢,大概也是因為這是個「小」群體的故事(不論是主角的身材或是人物數量),劇情中雖然也有一些高潮的安排,呼吸也顯得平順。觀眾的情緒並不需要強烈起伏地被刻意牽動,只要感受那微小的點滴餘韻就行嘍。

相對於主題歌"Arrietty's Song"的強烈敘事與歐日混合童話氣息,我更喜歡在電影剛開始就重複出現的"床下の我が家"。簡單、溫馨、小小的冒險與寓言,就像是這個故事一樣。

http://www.youtube.com/watch?v=DJKJVMbai2A
 

Friday, May 14, 2010

Kick-Ass (the film and the comics)


Image source: http://www.kickass-themovie.com/

"With no power comes no responsibility... except, that isn't true."

趕在"Iron Man 2"上檔之前,"Kick-Ass"為今年的漫畫改編電影做了開始,也在諸多漫畫改編電影中,佔下屬於自己的價值。作為IMDb高達8.3的電影,有太多人說明自己對這部電影的喜好。所以,本來實在是缺乏錦上添花、多做介紹的動力。不過,這大概是在諸多看過的美式超級英雄電影中,僅有的可以在看完電影之後,再回頭看完原著漫畫的作品,還是稍微記錄一下心得。

如果只看過電影,很難想像原著居然有這麼顯著的不同。在原著漫畫裡,原作者Mark Miller所要表達的是,作為一個普通人,人們願意為一個單純的信念付出多少代價?而當跨越了某些界線之後,是否就沒有所謂的底線?因此,在原著的故事裡,劇情是更加晦暗而寫實、暴力而殘酷的。比方說:讀者一開始並不知道Red Mist的真實身份,關於他的背叛,感覺便相對強化。Big Daddy前警員的身份,也只是一個虛幻的故事,實際上,他只是一個對生活失望的會計與漫畫迷而已。他所憑藉的信念,並沒有所謂的復仇,只是一種為跳脫環境的偏執與扭曲。說穿了,他也就是一個走火入魔版的Kick-Ass罷了。在遭人挾持毒打之時,他也就本能的跪地求饒。而在電影中充滿正義與責任感的最後一戰,在原著裡,便幾乎是憤怒與毀滅的展現。總歸來說,看完原著漫畫,要能直接感受到熱情和興奮,著實是相當困難的。其鎖定的讀者群,可真是小眾中的小眾啊。

然而,做為電影,即便將這樣的故事電影化本身實驗性很重,導演Matthew Vaughn甚至無法直接從製片公司取得足夠資源,而需要自己籌措資金,在劇情上總還是得為大眾化做了一些妥協。所以,故事本身的主軸不再放在主角們心境與信念的糾葛,而放在「小人物也能有所付出」這樣心念的展現,這也就使得故事不如原著般陰沈。(大概只有髒話出現的頻率與骯髒程度,和原著是一樣的。)不過,在整體的安排上,導演卻在原本的故事主軸中極盡所能地加入許多諷刺與顛覆的元素。像是,電影所使用的服裝與場景的顏色配置,便比漫畫要更鮮明而塑膠化許多,這樣的安排便會拉出與現實的距離感。在配樂的選擇上,更是盡可能的反映出與影像的強烈對比:在兩場Hit-Girl「大顯神威」的場景裡,畫面上明明是殘忍的殺戮,所採用的背景音樂都是熱鬧歡騰的。(Joan Jett的"Bad Reputation"真是令人振奮啊。)當然,讓一個十多歲的小女孩對惡徒進行宰殺的畫面,本身就充滿衝突性。嚴格來說,雖然打殺血腥場景少不了,不過我覺得,沒有推進到Quentin Tarantino的血腥味等級,這也是挺符合電影本身諷刺調性的。還有,像是拷打反擊場景裡,由於閃光燈的使用,讓整個畫面進行強烈的明暗變化,令人為之驚嘆。雖然有人說,在戲院裡,簡直要被閃瞎了,但是我卻超愛這個手法。整個影廳都幾乎要被畫面點亮,真的是渲染力超強的。更別說,像是漫畫店的陳列、利用漫畫方式對Big Daddy和Hit-Girl的背景介紹、還有最終祕密武器的火箭飛行器(這可是Dr. Sheldon Cooper認可,超過飛行滑板、光波輸送、蝙蝠車,成為最讚的幻想交通工具哩),都是展現電影本身取自漫畫的致敬之意。就是這樣嬉謔的風格,讓電影更有效地與原著用不同的角度詮釋故事,也難怪Mark Miller本人對這個改編作品也是讚譽有加。

一部成功的改編電影,除了將故事利用不同的媒體傳遞之時,可以掌握媒體間不同的表現特質,善加利用差異,更重要的是,要能表現出改編者本身的觀點與視野,讓已經接觸過不同媒體的觀眾可以重新體會故事的意涵。而這也才是再次創造與創意的價值。關於這一點,電影版的"Kick-Ass"除了感官與娛樂性外,對於重新詮釋故事是表現很優秀的。

漫畫,其實本質上是一種價值觀宣揚與傳遞的方式,就像"Jump"裡總是少不了「勇氣、鬥志、友情」。在漫畫故事裡,正統的英雄就像是暗室裡的一盞明燈,直接將正確價值的方向告訴讀者。但,反英雄卻像是在暗室裡碰撞,直至摸索出道路時,也不能確定對錯,只有仰賴心中的信念,才能再堅持下去。然,這也才是我們所處的人生,不是嗎?

Monday, December 28, 2009

Gran Torino and Clint Eastwood


Image source: http://en.wikipedia.org/wiki/Gran_Torino_(film)

顯然,封刀之作是不能放在Clint Eastwood身上的。再一次地,他以導演和演員的身份,呈現出屬於個人風格的作品。雖然說,演而優則導的演員不是沒有,但是能像Eestwood這樣可以建立出自己風格的人,總是相當不簡單的。事實上,對我來說,在看過的作品當中,相較於演員,他反而更是個導演。

「經典老爺車」"Gran Torino"的故事主要講述一個孩子都已離家、相依為命的妻子又已經過世的韓戰老兵Walt和新搬來的苗族鄰居Sue和Thao間的互動。從彼此敵視,到熟悉成為朋友,再到使一切改變的事件來臨。詮釋一個霸道固執的老兵,對Eastwood來說,真的是輕而易舉。從年輕的時候就以西部硬漢形象在銀幕中走盪,經過的歲月沒有帶走他的性格,反而增添了厚度。也就因為這樣,即使從不對外遇愛情有好感,但是卻還是可以接受Eastwood和Meryl Streep在「麥迪遜之橋」"The Bridges of Madison County"中所詮釋的暮年之戀。從某個角度來說,相較於「登峰造擊」"Million Dollar Baby"的Frankie,嚴肅中總帶著溫情,也許Walt這種更為執拗的特質,更是Eastwood對電影的個人熱衷與堅持也不一定。

挑選這樣的故事,以及敘述這種故事的方式,向來是Eestwood的慣例。在他的電影裡,我們總是很不容易看見晴朗的天空,灰色調向來是Eastwood的最愛。他從來不正面去講述希望,而總偏好於描述無奈。在「殺無赦」"Unforgiven" 裡,已經退隱的殺手William重新讓雙手染血;「神秘河流」"Mystic River"中,偏見和權力的終點指向了無可挽回的錯誤;「硫磺島的英雄們」"Flags of Our Fathers"的宣傳與標誌,帶來的卻是心虛與不安;而在多年之後,當「殺無赦」的憤慨也已不再,老兵Walt的選擇是凋零與犧牲。

只是,即便年紀是障礙,也可以不服氣地抗拒束縛(「太空大哥大」"Space Cowboys");也許光芒終結是那麼乾脆,真正的英雄是不會放棄閃亮(「登峰造擊」);眼看沒有人認為孩子會有回來的一天,母親的堅持卻會跨越一切(「陌生的孩子」"Changeling");逆境中的歷練,更可以凝結出凝聚與改變一個種族衝突國家的智慧(「打不倒的勇者」"Invictus")。

而當Gran Torino再次馳騁,老兵的犧牲是帶給了男孩的新生與轉化的機會。

======

早在7月看完電影的時候,就想要寫這篇文章,拖著拖著,也就到了年底最後幾天了。

Saturday, May 30, 2009

Star Trek XI


Image source: http://www.startrekmovie.com/

有一種說法來形容這個長達超過50年歷史系列電影影集的新電影是非常地適切的--「千年傳統,全新感受。」這該是每一個喜歡"Star Trek"的影迷都很願意給出的評價。

對我來說,科幻電影和影集是我對電影和影集的啟蒙。更精準的說,這些興趣就是從"Star Trek"開始的。包含"TNG""DS9"、和"VOY",甚至是"ENT"等四個比較新的系列,都曾經藉著電視與網路看過大半,新系列電影前的10部系列電影也都陸續觀賞過。唯一一點遺憾就是"TOS"播放的時代確實對我來說是比較早了一些,以現今的眼光去看,也大概會無法感受老影迷的感動。也因為這樣,在對「傳統」少了部分瞭解的情況下,實在不好意思說自己是個trekkie或是trekker,雖然提到"Star Trek"多少會在心中引發一些激動。只是,作為一個影迷,當持有電影影集版權公司的Paramount,在對"ENT""Nemesis"的表現都失準之時的跋扈、傲慢與不在乎,對於相隔多年的新系列電影,總是期待中帶有一些擔心。

作為一個必須要革新的時刻,J.J. Abrams並沒有讓我們失望,成功地為系列電影帶出新的生氣。就故事本身的延伸性來說,勇敢的以前傳的方式做為故事的時間點,卻又大膽的利用平行時空的概念不受制於之前的作品。而以劇情本身的元素來說,"Star Trek"在不置於損害影迷們對科幻與人文的固有預期下,大量加入更廣義的幽默與冒險性格,跳脫只是吸引老影迷或內行人的窠臼,讓更多人可以接受"Star Trek"所賦予的趣味。從某個角度而言,也許這樣的編寫,反而更符合Gene Roddenberry創造"Star Trek"世界的本意--這該是具備冒險與性感性格,卻又可以具備人文思考內涵的故事。

如果我想要單純娛樂的動作片,爆破、追逐、格鬥與幽默的情節,新電影完全具備。如果我想要以老影迷身份的探究細節,每個角色的出場和對白,甚或是場景,都充滿的致敬與呼應前作的彩蛋。令人高興的,我是去日新戲院的影迷場,在IMAX的環境下,觀賞這部電影。於是,在我周圍的觀眾都是最好的觀眾,他們的氣息起伏恰可以幫助我這個半調子的影迷瞭解更多小細節。當電影播映結束時那個誠摯而熱烈的掌聲真是令人舒暢。作為一個觀眾,我非常喜愛這部電影。

p.s. 雖然,我沒有如習慣的對劇情、演員、音樂加以描述記錄,但其實這些部分都是很優異的,這一點從IMDb和Rotten Tomatoes的高評價就可見一斑。只是,"Star Trek"理當是特別的。

Thursday, January 29, 2009

Man on Wire


Image source: http://manonwire.com/

你是否曾經感受過被夢想呼喚的感覺?當紐約市決定要繼帝國大廈之後,以1350英呎的世貿大樓,在雲端中增加一席之地時,在大西洋邊一邊的年輕冒險者深刻感受到了--如果可以遊走在雙星大樓之間的話,那絕對是人生中最暢快的一件事情。那年,Philippe Petit只有十三歲。

作為世紀藝術犯罪的代表,導演採取最簡單的方式陳述著個故事,由現場重建、資料影片和參與計畫人員訪問完成了這支紀錄片。雖然,敘述故事的方式是平鋪直敘,但卻讓人摒息。我們看到參與這項「犯罪」計畫的成員多次嘗試在興建過程中不斷調查實地調查大樓樓頂的地形,其中甚至租用直昇機拍攝空景和假冒成報導都市計畫的記者訪問築樓工人。為了正確安置鋼索,他們靠著自己的調查與其他來源所得到最詳細的資料,製作出最精確的模型,包含每一個可能作為固定的木樁。並在多次的試驗下,找到在大樓間傳遞鋼索並穩定鋼索的方式。當然,Philippe也對在鋼索上行走所需要的體能與應對高樓強風的平衡感,做了最充分的練習。對於實現夢想的壓力更是由一次次細節的調查與修正,慢慢加強與說服自己是可以完成這樣任務而克服的。在影片中,我們可以看到這些年過半百、兩鬢如雪的成員們,即使經過了這麼多年,只要想到這件不論在法律或安全上都充滿危機與壓力的事件,都彷彿穿越了時光,再次展現出光芒與激動的神情,而讓觀眾感受到那種完成夢想的熱情。

本片除了問鼎本屆Academy Awards最佳紀錄片外,已在Rotten Tomatoes網頁中,獲得超過130位專業影評人一致好評,成為超過「玩具總動員2」"Toy Story 2"(125位)的最佳電影。順便一提,在這個網頁的名單裡,史上最偉大的黑道電影「教父」"The Godfather"排名第八,獲得61位影評一致好評;去年票房冠軍「黑暗騎士」"The Dark Knight",則是在超過250影評中,拿到94%的好評。

在一切故事開始的六年後,世貿大樓終於於1974年興建完成。同年的一個夏日清晨,在穿過重重警戒與長時間的躲藏與漏夜架設鋼索之後,Philippe在鋼索上實現了自己的夢想--在近一個小時的時間內,在南北兩樓間來回穿越了八次。他神情自若的在鋼索上悠遊,甚至躺下或屈膝對天行禮。根據現場逮捕他的警員表示,「我無法說那是一個『走』在鋼索上的人,那是一個鋼索上的舞者。」

夢想,屬於面對壓力卻保有堅持與自在的人。

Sunday, September 21, 2008

Moulin Rouge!


Image source: http://en.wikipedia.org/wiki/Moulin_Rouge!

隨著觀眾的接受度增加,音樂劇電影慢慢開始在市場上打出自己的空間,很多經典音樂劇也陸續出現在大銀幕上。這波音樂劇電影的風潮,說起來也就是從「紅磨坊」"Moulin Rouge!"開始的。

其實,"Moulin Rouge!"在當時算是實驗性很強的電影。即使從現在的角度看起來,這部電影的許多手法和特質,也算是很獨立風格的,同時也建立起某些音樂劇電影基礎。首先就故事本身來說,窮作家與劇團女舞者的悲劇愛情故事,自然是取材自由小仲馬(Alexandre Dumas, fils)的經典小說改編,Giuseppe Verdi所撰寫的歌劇--「茶花女」(小說名稱是"La dame aux Camélias"、歌劇則是"La Traviata")。但是,除了故事背景、服裝和場景算是符合小說的時代,其他不論是電影拍攝所呈現的角度,或者是採用的音樂,完全超脫歌劇或是古裝劇的既定形式。大量採用音樂影片式的華麗、破碎、介於現實與非現實之間的呈現方式。音樂則是大量取樣70至80年代,所謂MTV世代的流行音樂,卻重新編曲,讓感官上與視覺效果契合,使整部電影就是充滿夢幻化的真實感。看似好矛盾的詞彙,但是這部電影看起來就是這麼充滿特異風味。而能製作出一部電影的,正是那個把「羅密歐與茱麗葉」"Romeo + Juliet"拍成口說文言英語的現代黑幫愛情故事,同樣音樂影片感十足的澳洲名導Baz Luhrmann。這個導演也真是個奇人,不僅編導都自己來,以已經上映的電影來說,就只有號稱「紅幕三部曲」(Red Curtain Trilogy)的三部作品。三部曲的第一部是1992年的「舞國英雄」"Strictly Ballroom",而"Moulin Rouge!"則是三部曲中最受歡迎的第三部。預計今年冬天上映的澳洲強打觀光與片場的史詩巨片--"Australia",則是他與"Moulin Rouge!"相隔七年的第四部電影作品。

以歌曲的角度來說,Ewan McGregor還算不錯,Nicole Kidman的話,就有些差強人意。單就電影原聲的表現來說歌曲本身動聽程度的話,似乎也不是那麼令人滿足。不過,正因為這部電影的音樂是大量取樣流行音樂,再重新編曲,如果去聽聽或猜猜這些取樣來源的話,反而是一件令人驚喜的事情。而且其實這些重新編曲版本,也是很有意思的。比如說,"Sparkling Diamonds"這首歌吧,取樣源頭是Marilyn Monroe唱紅的Broadway名曲"Diamonds Are a Girl's Best Friend"。不過,因為在Madonna出道名曲"Material Girl"的MV中,借用了Monroe這首歌的歌曲背景和MV內容,所以"Sparkling Diamonds"在引用"Diamonds Are a Girl's Best Friend"時,就甚至把"Material Girl"的片段放進間奏裡。還有像是整部電影中,我最喜歡的一首歌--"Elephant Love Medley",是一首將窮作家向女舞者求愛的對白融合進歌曲中的組曲。短短四分鐘,包含歌詞在內,引用了13首歌很熟悉的歌曲,真的是超愛的這種創意的。至於其他的音樂,wikipedia上面有非常詳細的註解,就不需要贅述了。老實說,明明是音樂劇,完全原創的歌曲居然只有一首("Come What May"),也真有夠酷。而且這首歌還是因為"Romeo + Juliet"沒用上,所以拿來用的...

這部電影從許多角度來說,我都很喜歡,也確實相當值得一看的。也幸好有這部電影相當成功,不論是票房或是評價,電影商也注意到了這樣類型的電影也是市場可以接受的,而開始開拓新領域。於是,即使沒有機會在舞台上看到這些音樂劇,也可以利用不同的方式,感受到這些作品的魅力。翻翻網誌,我也藉此看過好多部電影和寫下感想呢!(整理一下的話:"The Phantom of the Opera""Rent""Hairspray""Sweeney Todd""Mamma Mia!"。)唉,「悲慘世界」"Les Misérables"的電影版確實是非常多了,不過,音樂劇版翻拍的版本,顯然在這麼多年以來,似乎還是只聞樓梯響的傳聞階段啊,真不曉得還會需要盼多久哪?

Saturday, September 20, 2008

Rent


Image source: http://en.wikipedia.org/wiki/Rent_(film)

和娛樂性較重的其他音樂劇電影像是"Hairspray""Mamma Mia!"比起來,「吉屋出租」"Rent"這部由同名音樂劇改編,幾乎由音樂劇時的演員,算是比較血統純正的。不僅原本的音樂劇就是以Giacomo Puccini的著名歌劇「波西米亞人」"La Bohème"為藍本,而電影本身的演員也幾乎是由音樂劇的成員原班人馬上演(主角群中八名中有六名再次出演電影)。

以作為原型的"La Bohème"來看,本來這就是一個討論社會邊緣人的故事。只是,故事的背景遷移到早期的紐約Low East區,本來的角色們,從歌手、詩人、畫家和哲人,變成舞者、表演者、作曲家、製片人和辭職教授。而伴隨在他們生活中的,除了貧窮外,也增加了毒品、同雙性戀,以及隨之而來的愛滋病。但支持他們生活的卻是那種堅持獨特藝術思維、不願意受到主流思想束縛的價值觀。至於,音樂部分則是由Jonathan Larson創作,充滿搖滾風味的詞曲。

故事是由一間付不起房租的房客,以及他們的鄰居和朋友們做為中心,而他們是一群和不願意和現實與主流妥協的人們。他們用自己的方式表達對房東與現實的不滿:放聲歌唱,利用舞台表演傳遞富有寓意的概念。他們寄情於酒精,大醉一場也可以忘卻一切飢餓、寒冷與煩惱。他們也可能受限於環境,而受控於毒品的侵擾,而徘徊於成癮與戒斷狀態之間。他們組成愛滋疾病的互助社群,即使沒有物質上幫助,交換心中的感覺卻是最重要的扶持。他們誠實於自己,即使對彼此造成傷害。他們真心對待彼此,即使簡單,感情卻很實在。他們以自己的方式熱愛著自己的生活。即使物質上十分困頓,身體上也受到飢餓或是病痛的襲擊,但他們卻專注於心中的豐富與自在生活的滿足。即使理性上無法完全認同他們的價值觀,但情感上卻一定會為他們感動,因為他們是如此真實與執著的存在,他們懂得用心去愛、去快樂。

音樂成功作為情感的橋樑,將瑣碎的故事串聯,讓我們真實體會。每一個故事片段,都因為音樂而更動人。導演、音樂編劇、與演員們,都是很精彩的表現。很喜歡以歌曲"Seasons of Love"作為結尾迴響,同時伴隨由製片人角色Mark所拍攝的快速剪影的處理。這不僅呼應了電影開始八個演員在舞台上排著一列唱著同一首歌,也讓觀眾再一次看著一點一滴,每一個片段的情感。最後那個Angel的回眸,真是讓人感動得起雞皮疙瘩,眼淚充盈眼眶。

認識一群不一樣的人;感受一個不一樣的視野;體會一種不一樣的價值觀。

"Five hundred twenty-five thousand six hundred minutes...
How do you measure, measure a year?"
(五十二萬五千六百分鐘的光陰,你會如何衡量什麼是一年?)


Mamma Mia! (the film)


Image source: http://www.mammamiamovie.com/ (This poster is similar to the musical version most.)

之前在介紹ABBA的經典歌曲"Mamma Mia"時,就曾經特別提到關於這部由ABBA經典歌曲為基礎的音樂劇改編電影,也很期待。不過,上映以來,一直都很忙碌,終於,幾乎是在最後的院線機會,看了這部電影。

一個由母親Donna獨立撫養長大的希臘女孩Sophie,為了能夠見到親生父親,於是瞞著母親,把從母親日記中偷偷看到,最有可能是自己父親的三名母親的舊情人Sam、Harry和Bill,邀請到家裡經營的民宿,參加自己的婚禮。於是,在這著個即將來臨的婚禮之前,她是否有機會由這三個各有風格,且都在母親年輕時期的心中都佔有一席之地的「候選人」當中,判斷出誰是她的親生父親呢?(令人想到母親舊友Rosie所說的話:"It's very Greek."真是一語雙關。)

既然是音樂劇,那就說說演員和歌曲表現吧。首先一定要提的,自然是影后Meryl Streep。老實說,為了這部電影,這位快六十歲的實力派演員真的是拼勁十足。不論是載歌載舞,還是爬山下海,激情或溫情,通通都在這部電影裡輪番上陣。而且,雖然說她並不是唱工獨具、嗓音獨特的演員,但是,做為一個硬底子演員,聲音的表情與情感倒是完全把Donna這個角色的心境詮釋地很動人。我很喜歡她詮釋的"Slipping through My Fingers""The Winner Takes It All",情感很真實。所謂用聲音演戲,大概就是這麼回事。反過來說,身為第一男主角的Pierce Brosnan(其實這個劇情著重在女性身上的故事,說有男主角也怪怪的),果然聲如其人,演技平面,音域不寬,聲音表情也普普通通。(和Meryl合唱"S.O.S."的時候根本被吃死死的。唉,只是人帥的話是不夠的。加油,好嗎?:P)還有我很喜歡的Colin Firth,雖然已經是外冷內熱、Darcy先生類型角色的最佳代言人,沒想到他的歌聲也挺不錯的,年輕時頹廢歌手的扮像也是趣味十足。只可惜相較於原來音樂劇本身的情節安排,他的演唱段落和劇情好像被精簡了。歌聲只剩"Our Last Summer"的一小段落可以聞香一下,就連Harry這個原來應該在整齣劇裡,應該有一些同志曖昧的橋段,在電影裡都只是點到為止,實在有點可惜。最後,當然不能遺忘扮演Sophie的Amanda Seyfried。雖然對她是有印象,但查了IMDb才發現,原來對她的印象來源除了"Mean Girls"之外,其他都是電視影集的guest star。真沒想到這位演戲經驗並不是很豐富,角色也多半是傻大姊或是傲嬌女的年輕女演員,居然有一副很清新的歌喉,作為充滿夢想的Sophie,聲音表現倒是非常適合。像是"Gimme!Gimme!Gimme!""The Name of the Game",與電影開始和結束的"I Have a Dream""Thank You for the Music",都是歌好,唱得也不錯的曲子。另外,她和Meryl的母女互動,即使只是眼神交會,也是很真實的。雖然不知道是不是影后會帶戲,也希望Amanda Seyfried之後的演藝工作裡有更好的表現。

音樂劇電影比較棘手的就是拿捏歌曲和劇情關連與順暢的關係,尤其是像"Mamma Mia!"這樣甚至有一些選曲限制的情形。如果掌握不好,就會讓人有為了音樂安排而損失劇情合理與連貫的情形。當然,跳脫情境與幻想式情節的鋪陳方式,甚至也可以當作是借用MV拍攝技術的一種手法,近年來也已經慢慢被一般觀眾接受。但是類似的情形如果多了,還是會影響電影的流暢度與娛樂性。"Across the Universe",就有些類似尷尬的情形(還好The Beatles的歌夠經典,還是很高興地看下去)。不過,也許正因為ABBA的作品實在非常多,同時歌詞和樂曲本身也是非常貼近流行與常用語,故事劇情本身也是屬於娛樂性比較重的類型,所以,"Mamma Mia!"就比較沒有這樣的問題。甚至,有許多次在感受音樂和劇情的貼合時,有一種先有故事大綱,再把旋律和歌詞填進去的錯覺。而且,雖然不是說ABBA沒有好聽的抒情歌(實際上,電影裡也用了好幾首),但是經典high歌也真的是超多的,尤其是,如果是像我這樣對老式歌曲有莫名好感的觀眾,看完之後,只能說是情緒非常高昂呢!特別一提的是,經過比較ABBA原曲、音樂劇版和電影版之後,相較於音樂劇大致上遵從原曲,電影版的編曲是比較精彩豐富的。一方面是,這是電影本身可用的音樂編制和製作資源本來就比較豐富,另一方面,也是製作上,為了讓比較沒有接觸ABBA作品的年輕觀眾,可以更能接受,所做的處理。所以,也許經過電影版來認識ABBA也是很不錯的。(雖然要忍受Pierce Brosnan的聲音,比較遺憾。:P)

就電影拍攝的角度來說,既然都已經到了希臘,實在希望能夠看到更多碧海藍天的景象,畢竟,實景所創造出的氛圍,正是電影可以突破音樂劇不能達到之限制的關鍵。(嗯,最有好印象的場景,就屬Sophie游泳的鳥瞰海洋景,和前往教堂的步道了。)不過,導演似乎是為了劇情的緊湊感,雖然不是沒有著重風景的鏡頭,但主要還是專注在人物和民宿旅館為界線的範圍,所以瑕不掩瑜地可惜了一點。劇情上,由於本來就是比較以女性角度作為出發點的電影(製作、導演、編劇都是女性),所以,在細節上,確實有一些比較細膩的地方,也有些瑣碎一點的感覺,但是,只要預先有心理準備的話,我想男性觀眾也是可以看得很愉快的。

說來,在這些相互齊名的流行音樂經典人物中,The Beatles已經有"Across the Universe"、ABBA也有"Mamma Mia!",那麼我們可以期待有以貓王Elvis Presley的歌曲為基礎,衍生出的音樂劇電影嗎?

Tuesday, August 12, 2008

The Dark Knight


Image source: http://thedarkknight.warnerbros.com/

要說Batman的電影,如果在三年以前,肯定很難取得大多數人的普遍好評。即使在四集電影當中,導演和主角演員都頻頻更換,由正反兩派鮮豔而個性強烈的造型、酷炫器械(對,我就是指蝙蝠車)、以及動畫味強的構圖,所創造出的電影感官效果在電影播出的時代都很獨樹一格,但越來越趨於簡化的劇情以及平面的角色設計,讓系列電影的價值屢創新低。

但是,Christopher Nolan改變了一切。2005年,這位身兼編劇與導演的電影人,決定重新在大銀幕上重新塑造這位在夜裡為罪犯帶來恐懼的黑暗英雄,於是我們有了"Batman Begins"。而在今年,這個拋棄華麗外表,在寫實風格下浴火重生的英雄,擁有了在新系列電影中,超越前集的續集故事--"The Dark Knight"

以一個動作片的角度來說,在IMAX等級的拍攝之下,視聽感受真的是超級精彩。飛行滑翔、車輛追擊碰撞、建築物爆破,甚至是超炫科技特效是一點不少,且每一個場景都非常令人滿意。尤其是在IMAX的大螢幕和高解析度之下(連高樓下的一個個路人都看的見),只能說是完全滿足。而就算以劇情本身來看,"The Dark Knight"依然是非常出色。緊湊而全不失冷場老套的故事安排,讓觀眾即便可以稍微預想劇情推展,也立刻就會被劇情繼續牽引前進,步調與要傳達的意念,完全掌握的清清楚楚、精確而有力,幾乎難以想見這會是一部動作片,即使他真的很明顯是動作片。幾個主要角色,包含代表正義的Batman,善惡間轉變的Two-Face、還有當然是搶眼到不行的反派角色Joker,每個角色的情緒隨著劇情起伏,明顯到可以清楚感覺到他們的呼吸。看完電影,真是只能對Christopher Nolan編導能力,獻上無比的崇拜之情。

若說"The Dark Knight"這道大菜裡,Nolan扮演了完美大廚,那他在演員素材用料之好,可是絕不手軟。首先是飾演Joker的Heath Ledger。其實,雖然這個人確實很會演戲,但之前並不特別喜歡他。即使像是"Brokeback Mountain"裡的壓抑與深情男人和"Casanova"裡的花花公子反差就很大,且他也在「傳說中」(就是沒看過)的"Candy"裡,發揮出可以演出自我毀滅型的毒蟲角色的演技,但就是一直沒有那種想把偏見轉變的動力。不過,不需要找理由去看"Candy"了,因為,我相信任何人只要看過他演的Joker,永遠都會記得他是一個用生命完全投入演戲的演員。Joker對於世界完全相反的看法,對於毀滅與瓦解的認知,對於不在乎的信念,都足以把恐怖帶進每個觀眾心裡。也許Batman的價值正是被Joker的存在而定義出來的。而那種專屬於角色的瘋狂,是耗盡了Heath Ledger的生命所表現出來的演出。

如果看過「太陽帝國」"Empire of the Sun",一定不會忘記那個在戰爭的環境之下,漸漸失去除了生存以外感覺的男孩。如果看過「重裝任務」"Equilibrium",也一定不會忘記那個情感漸漸從心中融化的情緒控制探員。還有那個在"3:10 to Yuma"裡的低調神槍手父親角色,這些都證明Christian Bale是個可以完美詮釋適度隱藏部分性情之角色的,且極具天分的演員。若說有誰可以巧妙同時是富家少爺Bruce Wayne,又可以是Batman這個帶有陰沈個性英雄,那可就非Christian Bale莫屬了。當然嘍,見識過神呼其技的華麗槍舞動作,在沒有超能力、近距離只能靠體術決勝負的Batman設定條件下,成為重要元素的帥氣動作鏡頭,也肯定是難不倒他的。

自光明中墜落,Harvey Dent是在電影中具備著象徵正邪寄託意義的角色,也是使本部電影增加故事深度的重要一環。從永遠可以擲出硬幣正面的The White Knight,到在硬幣的一面上蒙上陰影的Two-Face,Aaron Eckhart掌握得明瞭清楚。相較於Tommy Lee Jones受限於劇情成為丑角,新角色既可以展現正向、有魅力與說服力的一面,又可以放手演出心碎而墮落的惡人,真是比老前輩有意思多了。而可以在兩位主角的光芒之下,不僭越卻又充分的展現自己的角色,Aaron Eckhart倒也是非常適切的選擇。

其他像是Gary Oldman、Michael Caine和Morgan Freeman都是早就享負盛名的硬底子演員,要精確站穩自己的位置,發揮角色功能,對他們是一點問題也沒有的。也許是出於對演員本身的喜好偏見,我甚至會覺得Maggie Gyllenhaal也是比Katie Holmes要討喜的Rachel Dawes。另外,雖然大概只有三十秒不到的銀幕時間,有Cillian Murphy和William Fichtner兩枚彩蛋也實在令人驚喜。

這部電影的音樂仍是繼續由Hans Zimmer進行配樂。(為了讓不認識這位大師的人,很快掌握重點,這裡稍微列出他的一些代表作:「獅子王」"The Lion King"「絕地任務」"The Rock"「神鬼戰士」"Gladiator"「珍珠港」"Pearl Harbor"「達文西密碼」"The Da Vinci Code",當然,我還漏寫了超過一半的作品就是了。)從那個密集而迂迴盤旋的電子弦樂開始,到最後由沈靜中拉起些微氣息的結尾,這部電影的配樂,就這麼一直跟隨的劇情推展毫不鬆懈,壓得你喘不過氣來。這部電影能夠讓空氣凝結152分鐘,除了劇情本身緊湊精彩之外,也沒有任何一秒讓你的耳朵停下來。只能說,Zimmer已經對這種動作片的音樂,駕輕就熟到他人只能臣服的地步了。

這是一部闡述「犧牲」與「背負」的電影,這也是近年來,成功的英雄電影的必要元素。也許,在這個多樣而失去核心價值的世界裡,即使我們沒有一個實體的Joker,卻不代表人性的考驗不存在。於是,在我們的心底,都期待著這麼一個具備勇敢承擔肩膀的英雄。

最後是這部電影最大的問題:當我們把動作電影的標準提升到這樣的層次之時,Nolan導演大神,你是否願意繼續滿足我們對續集的期望啊?

Monday, March 03, 2008

Lars and the Real Girl


Image source: http://en.wikipedia.org/wiki/Lars_and_the_Real_Girl

今年的Academy Awards最佳原創劇本頒給了講述青少年懷孕議題的"Juno",以專業影評或者是觀眾喜好的角度來說,確實是實至名歸的。不過,在其他同樣入圍的作品當中,除了小老鼠大廚"Ratatouille",以及我實在沒有太多好感的"Michael Clayton",還有尚未看過的"The Savages"(對Laura Linney的演技和選片挺有信心)外,由Nancy Oliver所撰寫的"Lars and the Real Girl"也實在是一部很有獨特風格的電影。

「如果,充氣娃娃並不是當作一般的使用方式,那還有什麼故事可以說呢?」這是編劇Nancy Oliver在一開始編寫劇本時,對自己發出的疑問。於是,住在美國一個偏僻寒冷的小鎮,不擅長與人相處的Lars,就從Oliver的筆下誕生了。和兄嫂住在一起的Lars,是一個無法和其他人親近的人。有一天,利用網路郵購的方式,他把Bianca帶回家中。但是,他並沒有對依照真人尺寸製作的Bianca做出任何不軌的舉動,而是把她當作從遠地來的真實女孩,真心與她交往。好心的兄嫂雖然驚訝,但面對孤僻的弟弟,在醫生的建議之下,便拜託全村的人們,配合Lars把Bianca當作真人看待。就這樣,小鎮裡增加了一位新成員。而就在兄嫂與小鎮居民的幫助之下,無法親密相處、實則心地善良的Lars,藉著Bianca的存在,他慢慢踏出了不一樣的社交圈。

我們可以看到一個小鎮居民們雖然純樸,但在面對鎮上這個表現怪異的年輕人時,可以直接穿透表面的怪異,而直接看到其善良與需要幫助的心靈。但大家還是找出了些第一眼看起來特異、想起來也挺有意思的方法,把Bianca當作真實的人,讓她實際地加入大家的生活。比如說,讓Bianca在百貨公司當模特兒,協助醫院裡輔導病童的工作,也幫她安排行程表,甚至為她辦一些活動,就像是善待一個新加入的居民一樣。甚至當劇情最後,當Bianca在Lars的想像當中病危,居民們也會主動的表示關心與陪伴傷心的Lars。這種純樸的關心,確實是非常貼近人心的。就像再一次意外的吵架當中,Lars覺得沒有人真的關心他,嫂嫂Karin生氣的應答:「大家願意這麼幫忙Bianca融入鎮裡,這都是因為你。」

本部電影中,男主角Ryan Gosling不僅因為寒冷的大衣,同時也留起了大鬍子,把自己包裹地緊緊,只有少數的小動作與眼神可以傳達出Lars的情感,將其無法與人親近的感覺表現地很傳神。但在最後幾場Bianca即將離開的戲裡,卻可以深深感覺到,對Lars來說,Bianca是真實的存在,而失去也是真實與痛心的。可以讓Bianca呼應起片名的"real girl",除了劇情的安排,Gosling的演技也是功不可沒的。另外,飾演嫂嫂Karin的Emily Mortimer,以及飾演醫生的Patricia Clarkson,都是非常搶眼的演員,把角色的張力抓的恰到好處。飾演哥哥Gus的Paul Schneider與其他鎮民的角色,都把樸實卻用心的感覺表現地很實在。整部戲的情感,藉由這些角色互動的烘托,而使人很容易接受情緒隨劇情的轉變。

撥開特異的外表,這其實應該算是一個充滿某些傳統價值與溫情的故事,而這些真心質地,卻也是感動人心的要件。以稍微開放一點,卻不戲謔的角度來看這部電影,便可以接受到這部電影所傳達的感觸。

Friday, February 29, 2008

Enchanted


Image source: http://adisney.go.com/disneyvideos/liveaction/enchanted/

把「王子與公主從此過著幸福快樂的日子」當作故事的開頭,而以稍微諷刺的角度來講不同故事的作法,雖然已經也有很多了,不過"Enchanted"「曼哈頓奇緣」確實算是很不錯的。雖然我得說,我喜歡這部電影是帶著偏見的。所以說,接下來的內容一定不客觀,也不會有過去理性分析式的慣例。

我很喜歡這部電影,第一個原因是音樂。是的,好久不見的Alan Menken。大家都知道,在Classic的2D動畫時期裡,Disney曾一度在"Snow White"「白雪公主」"Cinderella"「灰姑娘」等公主故事的黃金歲月之後,進入一段比較苦悶的時期。而帶領Disney重新進入「輝煌年代」(最近在看Oscar片)的第一部電影,就是"The Little Mermaid"「小美人魚」。而產生這樣成就的最大功臣,便是Alan Menken和Howard Ashman寫出動人的歌曲,並將之與劇情完美的結合。所以接下來的"Beaty and the Beast"「美女與野獸」"Aladdin"「阿拉丁」,電影配樂都是由Alan Menken捉刀,Disney的動畫電影成為Academy Awards最佳電影歌曲的獲獎者也幾乎成為慣例。近年來,隨著3D技術的進步,栩栩如生的動畫技術,以及巧妙的劇情串接,成為觀眾的口味的重心。當然,這也是Steve Jobs的好眼光和Pixar的好本事(其實還有Disney超級厲害的行銷本領),不過也因為如此,歌曲音樂和動畫的關係,不再那麼密切。這次,事隔多年,Alan Menken再度出馬,動畫師們再次拿起賽璐璐片,說什麼都會讓過去喜愛經典時期動畫的影迷感到興奮的。果不其然,三首歌曲一口氣全入圍Academy Awards,雖然沒得獎,但是也讓人覺得很讚。Alan Menken實在是太會寫這種「金光閃閃、瑞氣千條」的曲子了,多麼令人懷念過去對動畫片單純喜愛的時光啊。

另一個原因就是女主角的演技。應該要記起來的名字,Amy Adams。童話故事的角色穿插現實世界也不是第一次了,但是能像Amy Adams這樣可以完全展現卡通人物動作的演技,卻真的是難以看到。別說那個可以說話說到一半就能載歌載舞的劇情需求,每個舉手投足的小細節,都使得觀眾完全信服這就是卡通童話世界的Giselle走進現實該有的樣子。除了劇情安排之外,Amy精準卻不超過矯情的表演,絕對是使Giselle這個因為充滿夢幻,很容易不小心讓人生厭的角色,反而十分討喜的原因。而又唱又跳得好本領,也讓Amy展現出她多方面的才華。Susan Sarandon是很棒的演員,不過戲份真的太少;James Marsden再次藉由王子的角色展現歌喉,只是畢竟角色本身有點呆板;Patrick Dempsey,明明是男主角,但McDreamy的演技很空啊。(有一個驚喜是電影前後說故事的聲音演出,居然是Julie Andrews耶!)因此,要說這部電影除了音樂之外,就是靠Amy撐起來的,絕對不為過。因此,Amy Adams憑著這部電影,不僅在比較大眾味入圍Golden Globe音樂喜劇類最佳女主角的,甚至在影評界評價也是相當優異的,也入圍了BFCA的影評人協會最佳女主角。(仔細一查,發現她在2005年的寫實詼諧家庭電影"Junebug",更是在一大票的影展入圍或得獎最佳女配角。是應該找來看看,欣賞一下這個優異女演員不同的表現。)

本部電影在代表一般觀眾的IMDb有7.9,也在以影評為主的Rooten Tomatoes拿下93%,評價真的是超好的。帶些Disney的自我嘲解,卻不因過渡而失去童話電影應有的風趣,是老Disney電影動畫迷會很喜歡的基調。而且這部電影也為了本年度Academy Awards普遍偏冷調的電影群裡,增加一點愉悅的成分。

Friday, January 25, 2008

Sweeney Todd


Image source: http://www.sweeneytoddmovie.com/

自從知道Tim Burton和Johnny Depp聯手合作,要把這部毛骨悚然的音樂劇搬上大螢幕,簡直就是時時刻刻都在期待,尤其是身在台灣,我們可得要等北美都已經上映一個月之後才有機會看到,還真是望穿秋水啊。於是,進電影院是一定要的啦。

故事改編自英國19世紀初的真實案件:一名理髮師和派餅店老闆娘合作,一連宰殺超過200人做成肉餅,直至供不應求而開始盜墓,才終於落網伏法。音樂劇的故事則保留了殺人餡餅,並另外加入了惡狠、復仇、猜忌等人心險惡進入故事中,讓這位Sweeney Todd成為一位原本擁有嬌妻愛女完美生活的年輕理髮師,遭人妒忌陷害之後,一心只想著復仇,而轉化為「動作俐落」的剃「頭」人;而派餅店老闆娘Mrs. Lovett則是雖然愛慕著Todd,但實際上卻是整出事件裡推動事件發展的操作者。於是,整齣劇裡,除了Todd的女兒Johanna和年輕水手Anthony,就是由愛忌而心態扭曲的法官Turpin、流寇走狗Bamford和已經被時代拋棄的孤兒Toby,與Todd和Mrs. Lovett交互組成。

相較於"Phatom of the Opera"電影版,被稱做只是將舞台直接搬進電影院的缺乏創意,"Sweeney Todd"就完全不一樣了。即使電影劇情並沒有太多改變,但是Tim Burton畢竟是Tim Burton。拍過"Batman""Batman Returns""Big Fish""Charlie and the Chocolate Factory",Tim Burton對影像畫面的掌握是獲得相當稱著的。險惡的故事,陰暗的倫敦,整部片裡幾乎沒有什麼不是晦暗陰森的。不過,即使一切都是灰暗,卻仍然有些事物是需要顏色加以表達。只是,即便連Johanna金黃的髮色,都可以失去光亮,卻只有直濺噴灑的鮮血,永遠是絕對的腥紅。而在顏色限制之下,卻可以如同全然不受限制的表達出所有人物與器物質感,藝術指導和服裝入圍奧斯卡,真的是理所當然啊。

至於演員的演技,我一直覺得Johnny Depp在一部電影中,幾乎只會使用一種表情是一種非常特別的表演風格。("Edward Scissorhands"的單純、"Secret Window"的瘋狂、"Chocolat""Finding Neverland"的深情、與"Pirates of the Caribbean"系列的荒誕不羈,每個表情都不一樣,卻每片裡都是一個表情。)但,好演員只需要一個表情。即使只用一種表情,他也可以把Todd完全專注在復仇上,沒有任何情感即可對任何人「操刀」的情境表現得非常切合。已經拿到金球獎的Johnny,雖然再奪小金人的機會相較起來比較弱勢,不過也不是沒有機會的。

看這部片有一個比較遺憾的地方就是,沒有好好先做功課,把整齣劇先聽過一遍,所以實在會出現手足無措的時候。有時候要讀歌詞,有時候要接受歌曲氣氛,還要看著螢幕傳達的影像,真的是相當忙碌。(看"Phatom of the Opera"的時候多麼愜意啊,歌詞旋律都超熟悉的。)不過,老實說,這麼不協調的音樂,還真不是可以在沒影像的情境下聽得進去的。除了"Johanna"之外,所有的曲子都是充滿壓力的,而且總要在你覺得稍有舒緩的時候,忽然又讓歌曲變得很鋒利。也許這是藉此讓觀眾直接感受到在這種人性黑暗下,充滿嘲諷意味的手法。網路查了之後發現,Stephen Sondheim其實寫了很多熱鬧浪漫的樂曲,所以這還真是相當大的落差啊。另外,據說這齣音樂劇上映過三種版本,其中最後一版,把場景完全濃縮在理髮廳和派餅店,而且取消樂團,讓演員直接演奏。想到哪些死屍表現出這些不協調的音樂,真令人頭皮發麻。

此片強力推薦不介意血流如注的畫面,同時對音樂劇有興趣的觀眾觀賞。當然,如果對Tim Burton和Johnny Depp有強烈喜好的話,也絕不會失望。

Wednesday, January 23, 2008

Across the Universe (the film)


Image source: http://www.acrosstheuniverse.com/

如果你喜歡音樂劇,又喜歡The Beatles的話,那這片大概是非看不可了。看電影名稱也知道,是出自於The Beatles的重要曲目之一。(願意的話,可以翻翻舊文,有介紹過這首歌的。)

故事主要講述在60年代,一個到美國尋父的英國利物普(The Beatles的故鄉)青年與一個因為戰爭失去愛人的少女之間的愛情故事。不過,因為中間充斥著時代背景的要素像是:越戰之下的反戰熱潮,以及當時年輕人對未來感到茫然,在墮落生活與社會運動中的氣息,當然還有搖滾,所以,其實愛情故事成分並不強烈。(真當作浪漫愛情電影來看,可能會比看"Romeo + Juliet"(1996)更意外。)

從另一個角度來說,我覺得這部電影其實並不是以劇情做為重點的,屬於藝術性比較強烈的電影。以畫面來說,各種色彩繽紛的構圖,加上幻想意味相當濃厚,有許多非常意識型態的景象在情節之中。這應該是歌舞片一定會有的現象,在大群人唱歌跳舞之間,把很多劇情直接轉化成形象意念帶過。還有就是對The Beatles非常的致敬意味很濃厚,也是本片特色。除了男主角的故鄉,從海報的草莓就知道來自於"Strawberry Fields Forever",海報上還寫著"All You Need Is Love";男女主角和某一個配角分別叫做Jude、Lucy和Prudence,也都是採用The Beatles歌曲的典故("Hey, Jude""Lucy in the Sky with Diamonds""Dear Prudence");再加上包括片名、海報和主配角名的6首歌在內,全片串接起重新詮釋過的33首(!)The Beatles經點曲目,劇情出現熟悉歌曲的時候,真的是會驚喜連連。我自己大概認識約10首歌,就已經覺得有好多情節橋接得很棒了,如果是忠實樂迷,可能看得會很瘋狂。IMDb裡,超大比例的10分(平均7.8)的原因,大概就是樂迷的支持了。也難怪Rotten Tomatoes的專業毒舌影評會出現「這只是一部超長的MV大集合而已」的批評。

以台灣當地的觀影習慣,這部電影還真的很挑人看,也難怪電影本來會在去年12月上映,結果最後還是取消了。據說金馬影展有撥兩場,可能算是近期唯一可以在台灣的大螢幕上看到的機會。(說起來,金馬影展也已經過啦,錯過的也來不及了。)另外,如果想評量一下自己適不適合看,這算是一部預告片就很明確的電影,所以如果會喜歡預告片的話,那就不用擔心會踩進地雷。

Sunday, January 20, 2008

Juno


Image source:http://www.foxsearchlight.com/juno/

能夠在預告片裡就讓人眼睛為之一亮的電影也是不少,雖然我承認,很膚淺的,對我來說,主要是讓你偷看一點點大成本特效的電影居多,"Juno"剛好不是其中一片。

Juno和Bleeker是一對高三的情侶,就在某個「嘗試」夜晚之後,留下了紀念品。Juno非常有自知之明,瞭解自己離當媽還太遠,所以在放棄了墮胎之後,就決定將孩子讓給有需要的夫妻領養。(她的說法是:「非常恩愛善良的女同志伴侶」或是「平面設計師,35歲左右,亞裔妻子,穿著體面並且會彈Bass」。)於是,就這麼樣,在告訴父親與繼母與他們超冷靜的反應之後,Juno決定將孩子交由Mark和Vanessa這對定居在市郊的富裕夫妻領養,也開始了她長達九月的懷胎過程。電影本身並沒有花很多力氣描述懷孕這件事情,而著墨在這個孩子的出現,對Juno想法上的一些改變,對父親與繼母,對Mark和Vanessa,以及對Bleeker。一點點瑣碎的人物互動,串連起每個角色的形象。沒有什麼煽情催類的情節,卻可以讓人感覺到平實與溫馨。

導演Jason Reitman確實很厲害,在上次藉由Aaron Eckhart的妙論,以另類的角度討論煙草業的社會議題之後("Thank You for Smoking"),選上了「青少年懷孕」與「認養家庭」的主題,作為接續作品。在一貫的水準之下,這是一部既微妙又有意思的小品電影。作為本片的女主角,Ellen Page倒也是一時之選。她將Juno這個外表帶著些稚氣,言語思想卻有些超齡特異的年輕未婚媽媽,表現得非常有說服力。這位即將21歲的新生代女演員雖然也已經出現在不少電影裡,不過查一下她的片單,便會發現沒有什麼YA或大眾化的作品,是很有個性的演員。(你說"X-Men 3"的穿牆Kitty?這個角色三集電影的演員都不同,我們就別當它是回事了。)其他比較知名的演員還有Jennifer Garner,飾演非常希望有孩子卻只能寄託領養的Vanessa,也將那種帶有一絲遺憾與強烈渴望的情緒,體現得很適切。J.K. Simmons和Allison Janney,分別飾演Juno的思想開放卻也疼愛女兒的父親和繼母,氣質也非常符合角色的需要。至於扮演小男友Bleeker的Michael Cera也是傻傻的可愛。

除了劇情和演員外,音樂部分也是本片的亮點。倒不是說這部電影的配樂有多棒,其精彩是藉由Juno和Mark交換彼此對傳統搖滾樂的意見表現出來。雖然我熟悉的部分不多,不過聽他們的對話卻真是棒極了。(唉,如果在工作、電影、影集之外,我還可以有更多時間認識些經典音樂就好了。)另外,作為電影主題曲,片尾由Ellen Page和Michael Cera對唱版本的"Anyone Else But You",簡單吉他合絃和輕鬆的曲風,氣氛真的是好感動。

本片在一般觀眾與影評間的評價相當優異,IMDb有8.4,Rotten tomatoes也給出了93%的超高分(象徵超好評的"frensh tomato" icon都跑出來了)。還有人用上「2007年的"Little Miss Sunshine"」這樣的評語來讚美此片。相較起來,我個人則是更喜歡"Juno",至少"Little Miss Sunshine"沒讓我再看完電影就立刻起筆寫blog。非常非常推薦這部電影。

Sunday, January 06, 2008

The Man from Earth


Image source: http://en.wikipedia.org/wiki/The_Man_from_Earth

一部精彩的科幻電影,通常也許是靠著特效包裝之下,吸引觀眾的目光,但要獲得長久的稱讚,還是必須回歸其討論的主題。因此,科幻電影的精髓,仍然還是在適當的前提之下,對於某些議題的討論。比如說:在浩瀚銀河與科技泡泡包裝下的人文問題("Star Trek"精彩的部分大約具有這樣的內涵),科技包圍下的末日啟示(「銀翼殺手」"Blade Runner"),或者是最受歡迎的機器人與人性主題(「變人」"Bicentennial Man"「人工智慧」"A.I."「機械公敵」"I, Robot")。可是,偏偏有人可以做到,把科技背景全部拿除,沒有特效、沒有場面、超低成本的科幻電影,完全就靠著強大的故事性,就讓這部電影引人入勝,那可真是非常厲害。"The Man From Earth"絕對是我看過成本最低,卻最精彩的科幻片了。

故事的架構其實很簡單:一個大學教授放棄了可以升上系主任寶座的機會,決定離開任教的大學。他散佈於個科系的好朋友,訝異於他忽然的離開,決定一夥人去為他送別,順便瞭解他是有什麼樣的困難才必須離開。誰知一問之下,這個教授需然回答說:他已經活了140萬年,一個是不會衰老的人,所以為避免引人注目,每隔十年,他就會離開他居住的地方。也就是說,他從穴居人的時代就已經活著,卻持續過著四處遊歷的生活至今。於是,這群由物理學家、生物學家、史地考古學家、心理學家、宗教學家組成的朋友們,便開始對他的說法產生質疑,並開始發出各式各樣的問題,而他也一一的提出自己的解釋。於是劇情,就是以這樣討論的方式進行了一個半小時,而當中的討論,雖然誰也無法完全肯定或否定這個140萬年的說詞,卻因為各種專家的辯析之下,饒具趣味。

讓我們想想,其實即使是舊石器時代就誕生,但其實克魯麥儂人和現今人類在解剖學上基本上已經相差無幾,只要真的可以排除基因與細胞的老化,那確實無法看出差異。(還好他不是同時期的尼安德塔人,他們就明顯地和現代人有差異:P。)而由於一個人同一個時間只能出現在一個地點,所以,即使他的壽命很長,他的學識能力也無法超越時代。畢竟在過去,知識傳遞是非常困難的,而在近代,知識爆炸也使得以個人之力是無法與專才相較。另外,一個活了這麼長久時間的人,甚至可以說是脫離時間之外的情形下,會用什麼樣的心態來看自己和其他人呢?經過歲月洗滌,一個人對世界會有什麼樣的見解?經過這麼長久的歲月,在文明歷史與宗教世界裡是否有機會留下重要的影響?劇情藉由天馬行空的串接,令人驚訝不已,切入這些人文與人性的討論(當思想根基的事實也許不是想像的那樣時,你願意接受可能是褻瀆的存在嗎?),也使得故事性更吸引人。

這部電影是由科幻小說家Jerome Bixby的遺作改編。在著作這本入選世界最好的100篇短篇科幻小說時,作者本人已經臥於病榻,也許也因為這樣,才會對超脫時間這樣的主題特別有興趣吧。這是一部有些挑人看的電影,如果不排斥談話性與科幻主題,看電影時也不介意花些腦力的觀眾(畢竟電影有點考驗觀眾的常識),這部電影倒是非常非常一看,你一定會喜歡。若是在這兩者之外的話,恐怕也就不是這麼適合。不過,願意的話,在精神還不錯的情況下,可以嘗試看看,畢竟這是一部相當具有科幻特質,卻是非典型的科幻電影。

Wednesday, December 26, 2007

Hear Me Sing


Image description: Movie post

一部好電影可以跨越時代,即使沒有華麗的特效與清晰的影像,但是人情的感動卻可以激發人們的想像。比如說,就算橋段都已經被引用到致敬都嫌多,也難有電影足以挑戰"The Godfather"「教父」在黑道電影的地位;就算沒有經過科技上色版的"Gone with the Wing"「亂世佳人」,依然會是對南北戰爭時代與男女情感絕佳描寫的作品。在華語電影的世界裡,也是存在著這樣的電影。也許很多人對虞戡平這個名字不是很熟悉,不過,這位導演倒是在80年代拍出了許多非常好的國片,比如說:「台北神話」「孽子」「兩個油漆匠」,以及最經典的「搭錯車」

「搭錯車」講述的是一個拾荒榮民啞叔(孫越)與其養女阿美(劉瑞琪)的故事。啞叔在拾荒的過程中,遇見了還在襁褓中便被遺棄的阿美而決定收養她。即使這件事情造成了啞叔與妻子間的爭吵,甚至造成了夫妻離異,啞叔依然含辛茹苦的培養阿美長大。長大後的阿美,在歌廳駐唱時,被知名的製作人遇見,而邀請阿美進入歌壇。一心想成名與賺錢的阿美,自然很高興的接受邀請了。在唱片公司的包裝下,阿美成功的成為明星,但忙碌的工作行程,卻失去了與啞叔一起生活的機會。一直擔心掛念著阿美的啞叔,終於在傷心之下病倒,而聽聞訊息的阿美,雖然從演唱會場趕到醫院,卻沒有再見到啞叔最後一面的機會。

這部電影,雖然以這樣一個親情故事作為主軸,但是其背景與細節也有許多值得我們琢磨的地方。例如說,以眷村生活作為背景,包含違建拆遷的情節,加上社會進步與起飛的過程,價值觀的衝突,讓我們可以感受到個人存在於時代轉變時的特殊性與無力感,激發社會弱勢族群的關懷。另外還有一些巧妙的細節,像是對於製作人有斷袖之癖的傾向,以及某段阿美與歌曲創作者男友床戲的表達,在當時(1983年,民國72年)都應該是很前衛的意象。

另外,做為台灣最早非傳統戲曲的音樂劇電影,這部電影的音樂甚至是比電影有名很多。至少就算沒有看過電影,卻總會知道蘇芮的「是否」「請跟我來」「一樣的月光」「酒矸倘賣嘸」吧。實際上,這是華語樂壇第一張電影原聲帶,更是蘇芮第一張個人兼華語專輯。歌曲本身每首都具備的經典性,看作曲語詞者便知。包含李壽全、羅大佑、梁弘志、侯德建,真是超級精華,現在華語圈,再也沒有這種製作水平可以相較了吧。連專輯歌曲的順序安排,都是非常適切的串聯出故事。無怪乎,這張專輯同時也被認為是華語世界裡跨時代的經典作品。

後面算是有點抱怨文了。有時候,我們難免會覺得,國片是怎麼了。難道拍攝出一部兼具商業性與內容的電影是如此困難?難道人才不是離開華語圈,就只能邁向廣告或音樂影片了嗎?也許,對於一般的觀眾,我們所需要的並不是離我們稍微遙遠藝術電影。畢竟一部電影的價值不全在於其藝術性,而在於是否有一些能激發我們想像,以及對生活有更多感動。

Tuesday, December 11, 2007

Dancer in the Dark


Image source: http://en.wikipedia.org/wiki/Dancer_in_the_Dark

很久之前就知道是經典,但是卻一直沒有機會看的電影其實是很多的,「在黑暗中漫舞」"Dancer in the Dark"便是其中之一。這是一部一般評價都相當不錯的電影(IMDb7.8),再加上獲得Independent Spirit Awards的最佳外語片的殊榮,也可以證明這不只是一部大眾口味的電影,同時也是一部附帶意涵的電影。

故事講述一名帶著孩子從東歐移民到美國的單親媽媽Selma,焚膏繼晷地工作,就希望在自己視力惡化之前,能夠籌措足夠的手術經費,以治療遺傳自自己眼疾的孩子。她非常忙碌,白天必須在吵雜的壓鑄不銹鋼水槽工廠工作,晚上還需要打製髮夾的零工。即使視力衰退與工作辛勞交相困頓,有一件事情卻是支持Selma生活的動力,那就是音樂。喜歡歌舞劇的她,空閒時間總是和同事一起去看音樂電影,或在劇團裡練習唱歌和舞台動作;在工廠吵雜的噪音當中,也總能從鏗鏘聲中,連接起曲調,讓自己歌唱。

但是,視力迅速衰退的情形,逐漸脫離了Selma的掌握。為了趕在完全喪失視力與孩子的適當手術年齡之前,她開始冒著幾乎看不著機器的情況,兼職工廠夜班工作。而且,擔心丟失工作,而隱瞞著即將眼盲的病情的Selma,當因為無法看清路上的行車,再也無法再騎腳踏車上班時,便只能拖著兩份輪班下的疲憊身軀,沿著火車鐵軌的邊緣走路上下班。喜愛的劇團練習,也因為看不清台步的進行,只好放棄。但即使環境是如此的緊迫與惡劣,想著即將累積足夠的費用與心中環繞著的音符,Selma還是堅持下來。

終於,喪失的視力使得Selma在工廠裡犯了嚴重錯誤而丟失工作,更糟的是,她苦心存下來的前卻被警察房東偷走。在追搶回存款的過程中,房東的槍枝走火,導致了Selma背負著殺人的罪名而被判處死刑。本來有著上訴的機會,卻在得知是必須動用到手術費用的情況下,決定放棄。在牢獄裡,最痛苦的便是沒有聲音可以陪伴已經完全失去視覺的Selma,於是,她開始自己在牢房裡排練著不可能發表的劇團演出。最後的日子來臨了,堅強的Selma在死亡的壓力之下,終於首次面臨崩潰。直到最後一刻,聽見自己的孩子手術成功,Selma又再度轉變回堅強的母親角色,將心中的音符全部吟唱出來,面對生命的結束。

"They say it's the last song. They don't know us, you see. It's only the last song if we let it be."

這是一部充斥著壓力的音樂劇電影。導演為了增加真實感,採用著手提式的攝影,偶而的晃動,使得觀眾就好像在演員身邊身處劇中一般。演員的表現非常自然,尤其是扮演Selma的Björk,由於她也同時該劇的音樂創作者,她不僅扮演,而是簡直化身成角色。做為歌舞劇,這部電影主要出現兩組歌曲,一組就是劇團在排練的出自電影「真善美」"The Sound of Music"的歌曲,另外就是配合Selma的心情所展現的她心中感受的歌曲。「真善美」為什麼好看,對我來說,有超過一半的原因來自於Julie Andrews在片中演唱多首愉快而朗朗上口的歌曲,那些曲子總是充滿歡樂與希望的感覺。但表達Selma心情的歌曲就全然不是這樣,即使歌詞好像很愉快,節奏也輕快,卻總是一直有一種脫離現實與自以為樂的壓抑情感。整部片在這兩種歌曲的交錯中進行,形成很強烈的對比,造成非常心理上非常複雜的感受。也許這就是導演所希望造成的效果,讓觀眾更強烈的去感受Selma那種痛苦與矛盾的困頓和心境。作為一部音樂劇來說,雖然不是瀰漫著華麗或快樂的氣息,卻非常有渲染力。

這不是一部會讓觀眾看了會覺得愉快,或者明白一些道理的電影,卻絕對是一部成功傳達情感與撼動人心的電影。